Imagine: Miles Aldridge
DCW: În afară de trecerea la digital, cum s-a schimbat fotografia de când ai început?
MA: Multe lucruri s-au schimbat de când am luat prima cameră pentru a deveni fotograf profesionist. Încă filmez pe filme, deși voi filma pe digital dacă este un deal breaker pentru un anumit client. Dar una dintre cele mai mari schimbări este că lucrez mult mai puțin în publicitatea convențională și cred că acest lucru sa întâmplat din cauza creșterii rețelelor sociale.
Clienții care obișnuiau să-și cheltuiască bugetele pentru fotografii mari vor cheltui acum acest lucru pe o combinație între asta și social media. Cred că majoritatea oamenilor ar fi de acord că investiția în fotografia publicitară este - și riscă să presupun aici - doar aproximativ 10% din ceea ce era acum 20 de ani. Este un peisaj foarte diferit.
Când am început, revistele erau foarte susținute și incitante. Înainte de internet, revistele aveau un adevărat control asupra consumatorului și acesta era unul dintre modurile principale de a vă transmite mesajul. Odată ce internetul a decolat și a început să le promită clienților că își poate concentra publicul țintă și chiar să ofere feedback cu privire la câte persoane și-au văzut reclamele și așa mai departe, propunerea unei reclame de revistă a devenit din ce în ce mai puțin atrăgătoare. Desigur, revistele au făcut tot ce au putut pentru a-i readuce pe agenții de publicitate, oferind tarife din ce în ce mai mici, îmi imaginez. Acum, nu mai este cea mai importantă parte a campaniei publicitare a nimănui.
Când am început, situația era clară: dacă ați fi un bun fotograf editorial și ați face o mulțime de editoriale pentru revistele potrivite - Vogues și așa mai departe - veți obține multe campanii publicitare de filmat. Iar banii pe care i-ai câștigat din campanii publicitare ar putea fi, de asemenea, cheltuiți pentru a face editorialele să arate și mai bine, deoarece revistele nu au sprijinit cu adevărat fotografii. Ar exista un buget de bază, dar dacă ai vrea să faci ceva special - așa cum am făcut întotdeauna - ar trebui să plătești singur pentru el.
Genul ăsta de dinamică era acolo când am început și a rămas așa până când internetul s-a stabilit. Dacă parcurgeți reviste de la mijlocul anilor nouăzeci, veți vedea că publicitatea este mult mai agresivă, îndrăzneață și neobișnuită. Aș spune chiar artistic. Acum, imaginile publicitare arată ca și cum ar putea fi filmate de același fotograf. Acum există un fel de cerință de bază pentru a fotografia doar ținuta sau orice ar fi aceasta. Aș spune că nu există un interes real din partea clientului publicitar de a avea ceva artistic.
Credeți că există un element în care oamenii nu doresc să își asume aceleași riscuri ca înainte?
Ei bine, ei nu pot. Cred că atunci când industria este plină de frică - o recesiune după alta, sau promisiunile internetului de a oferi acestor mărci mulți bani - devine destul de gol. Teama pe care aceasta o insuflă oamenilor investiți în aceste proiecte îi face să creadă că poate s-ar putea să nu funcționeze, așa că mai bine nu o încurcă și, prin urmare, nu merită să riște nimic. Cred că atunci când vă aflați într-o astfel de situație va crea doar o muncă foarte, foarte blândă. Deci da, pentru a răspunde la întrebarea dvs., cred că oamenii sunt îngroziți să facă imagini riscante sau interesante.
De asemenea, dacă vă întoarceți cu vreo 20 de ani în urmă, piața nu era atât de globală ca acum, cu aceeași imagine care trebuie să atragă un public din Arabia Saudită, India sau Africa. Când publicul dvs. este atât de mare, are ca efect diluarea a ceea ce este acceptabil din punct de vedere vizual. Ceea ce noi, sau eu, am putea găsi interesant într-o imagine, deoarece se referă la un film sau teatru în care referințele culturale sunt foarte clare, s-ar putea să nu fie înțeles de cineva din Arabia Saudită, de exemplu, și ar putea fi insultați de aceasta. Așadar, agenții de publicitate trebuie să joace un joc atent în ceea ce arată.
„Cred că oamenii sunt îngroziți să facă imagini riscante sau interesante”.
Miles Aldridge
Unul dintre lucrurile care s-au schimbat cu adevărat de când am început fotografia este că fotografia publicitară a devenit cu adevărat neinteresantă. Când am început, anumite etichete de modă precum Jil Sander erau obiectivul absolut. Jil Sander a fost văzut ca Capela Sixtină a fotografiei de modă, cea pe care fiecare fotograf și-a dorit să o obțină. Nu cred că există nicio campanie publicitară de modă deosebită pe care orice fotograf crede că merită să o facă în aceste zile, deși Gucci arată încă destul de bine, ca să fim corecți.
Ai fotografiat stelele din Game of Thrones pentru revista TIME recent. Cum a apărut asta? Acest lucru este destul de diferit de ceea ce sunteți cunoscut. Ați făcut asta ca răspuns la schimbarea industriei într-un fel?
Am făcut imagini în același gen intermitent în cariera mea. A existat o imagine pe care am făcut-o numită Like a Painting for Italian Vogue în 2008 și aceasta a fost inspirată de un pictor renascentist numit Pisanello. Proiectul Game Of Thrones din 2017 a fost inspirat în cea mai mare parte de un pictor renascentist nordic numit Lucas Crannach, dar și ușor inspirat de Albrecht Dürer, celălalt mare pictor renascentist nordic. Mă pot inspira din filme, cărți și pictură și sunt un iubitor al istoriei artei; dacă mă inspiră, mă bucur să iau o referință din ceva care are 500 de ani sau mai mult. Cred că este întotdeauna important să-i aduc un spin Miles Aldridge, așa că nu aș vrea să fac doar o fotocopie directă a unui tablou - nu cred că este interesant. Îmi place întotdeauna să-i aduc un element din lucrarea mea mai cunoscută, chiar dacă are o referință veche sau antică.
La filmarea Game Of Thrones, am lucrat din greu cu scenograful pentru a avea țesături mai mac, cu o paletă de culori mai largă, pentru a da un fel de răsucire modernă acestor imagini istorice. Deoarece GOT este fantezie și ficțiune, bazat în acest univers paralel, am încercat să mă gândesc la o modalitate de a face portrete atât în mod singular, cât și ca fotografii de grup care să facă referire la ceea ce era GOT, dar și să adaug ceva diferit. Deci, legând-o de această tradiție renascentistă nordică a acestor portrete foarte simple, cu un singur element simbolic, cum ar fi o floare sau o bucată de fruct. Există, de exemplu, o pictură foarte renumită a lui Leonardo da Vinci a unei fete care ține o nevăstuică.
„Dacă este inspirator, mă bucur să iau o referință din ceva care are 500 de ani sau mai mult.”
Miles Aldridge
Acestea au fost genurile de reguli, atâta timp cât le-am adoptat, apoi am putut adapta imaginea folosind iluminarea, culoarea și claritatea semnăturii mele. A fost ceva ce împărtășesc cu acei artiști: ei aveau un ochi obsesiv pentru a înregistra detalii. Modul în care luminez și modul în care îmi folosesc camera, înseamnă că surprind o cantitate extraordinară de detalii, asemănătoare cu o pictură renascentistă nordică din acea perioadă.
Ați spune că picturile au mai multă influență asupra dvs. decât lucrările altor fotografi?
Cu siguranță am fost influențat de alți fotografi precum Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn și Richard Avedon. Mi se pare interesantă nu doar imaginea pe care au făcut-o, ci și modul în care cariera lor s-a mutat între lucrul la reviste și proiectele personale. Avedon a lucrat la expoziții și cărți, la fel și Newton și Bourdain. Și Avedon a făcut o mulțime de muncă politică. Mi se pare că cariera lor este inspirată, iar unele dintre imaginile lor sunt cu adevărat uimitoare, dar cred că dacă te inspiri doar de la alți fotografi, probabil că vei avea doar un succes ușor cu această abordare.
Mai degrabă decât să fiu întotdeauna fotograf, mi-am dorit întotdeauna să fiu cineast sau regizor și am fost întotdeauna foarte inspirat de imaginile pe care le puteam vedea în cinematograf. Când am avut șansa să fiu fotograf, deși aveam alți fotografi ca unii dintre eroii mei, am fost foarte încântat că aș putea face și poze care să pară fotografii din filmele pe care le-am iubit. Sau, un mashup între un exemplar de Vogue și un film, ca un film cinematografic, dar modelul ar purta ceva important pentru revistă, iar întregul lucru combinat a devenit ceva nou. Și acesta este probabil motivul pentru care există interes pentru munca mea, deoarece nu este doar referențial la alți fotografi din trecut, sau la Renaștere sau chiar doar la cinematograf. Am o minte asemănătoare cu un ciobănesc, văd ceva într-un singur loc și altceva din altul și apoi construiesc o imagine personală, care face referință și la alte lucruri care mă interesează.
În ceea ce privește filmarea, știu că ați regizat câteva videoclipuri muzicale în trecut. Este ceva ce îți imaginezi mai mult despre dong? Sau poate să treceți la filme de lung metraj?
„Când am avut șansa să fiu fotograf … am fost foarte încântat că aș putea face și poze care să pară fotografii din filmele pe care le-am iubit.”
Miles Aldridge
Nu aș spune niciodată niciodată, dar am făcut videoclipurile pop înainte chiar să iau o cameră, așa că probabil acum acum 25 de ani. Am avut mare noroc că am căzut în acea carieră și am făcut-o câțiva ani. Nu am fost foarte bun și oamenii au fost foarte răbdători cu mine - practic m-au lăsat să mă deranjez cu un aparat de filmat. Dar am învățat multe despre cum să o fac. Am învățat multe despre construirea de decoruri și crearea acestor spații cinematografice. Am învățat puțin despre iluminat din discuțiile cu cameramanii cu care lucram. De asemenea, am învățat despre administrarea unui grup mare de oameni, un set mare pe un film mare. Majoritatea acestor videoclipuri aveau aproximativ 30 de persoane care îndeplineau sarcini diferite, iar în filmările mele acum există probabil o cantitate similară de oameni. Este întotdeauna o producție destul de mare.
Cred că mi-a fost foarte util să mă întreb dacă îmi doresc cu adevărat să fiu cineast, pentru că mi-a fost foarte greu să pun o semnătură pe imagine când făceam videoclipuri pop. Când eram fotograf, simțeam că pot face ceva acolo unde îl semnasem cu adevărat, de parcă ar fi fost imaginea mea. Cred că realizarea filmului este un proces mult mai colaborativ; trebuie să lucrezi cu directorul de film ca regizor și vor avea o mare influență asupra aspectului. Trebuie să renunți la o parte din propria estetică. Deci, pentru că am făcut asta mai întâi și mi s-a părut destul de dificil, când am venit la fotografie, unde eram în esență regizor, producător și cameraman dintr-o dată, am simțit că am această autonomie pe care nu o mai avusesem înainte .
De asemenea, mi-a plăcut modul în care au fost vizualizate fotografiile, prin care mă refer la o revistă. Pe măsură ce am început să fac mai multe lucruri, au început să fie incluse în cărți și galerii, iar acum sunt chiar în muzee. Și mi-a plăcut asta în comparație cu un videoclip pop, care pe atunci se vedea doar la televizor. Acum l-ați vedea pe YouTube, poate pe iPhone. Pentru mine, rezultatul final a fost ceva care m-a interesat. Am fost foarte fericit să fac ceva care a creat o imprimare, ceva care a durat, ceva care a fost mai frumos de privit decât pe un ecran de televiziune sau un iPhone, ceea ce cred că un mod neplăcut de a vedea lucrurile.
În acest moment, dacă ar fi un artist care să-mi placă, care dorea un videoclip pop și ar fi libertatea de a fi creativ, aș fi interesat. Dar, la fel ca toate aceste alte lucruri despre care vorbim, cred că industriei muzicale i s-a smuls din punct de vedere financiar, așa că te-ai lupta.
Vei vorbi la The Photography Show anul acesta. Ce ai planificat?
Încă mă joc cu ceea ce vreau să discut, dar l-am numit „Color by Miles Aldridge”. Cred că culoarea este un subiect fascinant la nesfârșit în fotografie. Îmi place să colecționez cărți și reviste vechi de fotografie și să văd cum au evoluat culorile în diferite stocuri de filme de-a lungul istoriei fotografiei.
„Cred că dacă te inspiri doar de la alți fotografi, probabil că vei avea doar un succes ușor cu această abordare”.
Miles Aldridge
Cel evident aici pentru a discuta este Kodachrome. În anii 1940 și 1950, și chiar în anii 1960, gama tonală a filmului a fost extraordinară și a creat un ton de carne care a fost foarte greu de reprodus de atunci. Filmez pe film negativ Kodak color și încerc să-l procesez în post-producție pentru a-i oferi aceeași calitate pe care o iubeam din acele fotografii timpurii.
Voi discuta despre cum culoarea are un efect asupra imaginii și cum funcționează culorile în fotografie pentru mine. Când iluminez un subiect, de exemplu, îmi place să pun un element de albastru sau verde în umbre, deci există un fel de răceală în umbră și ceva mai multă căldură în lumini. Așa că voi vorbi despre lucruri subtile de genul acesta și despre modul în care un bloc de culoare poate avea un efect incredibil asupra imaginii atunci când se ciocnește cu altul și cum le aduc în imagine lucrând cu scenografii mei, Artați artiști, stilisti și coafori înainte de filmare. Între noi colaborăm și creăm o paletă.
De multe ori pictez acuarele și fac schițe în avans și, cu asta, pot vizualiza cum va ieși o fotografie. Cu cât fac asta mai mult, cu atât am mai multă încredere în filmare că culorile vor atârna împreună și vor oferi o estetică bună. Nu vreau să fac doar ceva care să se simtă în siguranță și frumos. Aș prefera să mai adaug câteva culori și să fac o paletă mai destabilizată. Asta încerc să obțin, ceva care la prima vedere ar putea fi cam prea mult, dar pe măsură ce lucrați cu el, îl puteți orchestra și compune astfel încât unele dintre culorile pe care nu le-ați gândit ar putea funcționa sfârșind să funcționeze. Cred că așa creați imagini moderne.
Sunt mereu conștient de trecut, fie că este vorba de o pictură renascentistă de acum cinci sute de ani sau un film al lui David Lynch din anii 1980. Am un mare catalog de referințe vizuale, dar acestea te vor duce până acum - cred că trebuie să experimentezi. Puteți experimenta în studio foto într-o anumită măsură, dar când sunteți într-un studio cu alte 30 de persoane, nu doriți ca toată lumea să vă aștepte. Așa că încerc să fac multe din asta pe cont propriu.
Ați spune că discuția dvs. va fi mai benefică pentru cineva care face portrete și vrea să înțeleagă mai bine culoarea? Poate cineva care vrea să experimenteze și să își asume riscuri creative?
Poate da. Evident, cred că discuția va atrage persoanele cărora le place munca mea. Nu sunt sigur cum îi pot influența în ceea ce privește propria lor carieră - depinde cu adevărat de ei să iau ceva din munca mea, în același mod în care am luat piese de la Avedon și Newton și așa mai departe. Sperăm că vor fi și câteva povești bune acolo. Cariera mea a fost o întâlnire de multă vreme interesantă cu diverși oameni, încercând să facă lucrurile să se întâmple. Întregul lucru a fost foarte distractiv, dar nu se face în vid. Se face cu o mulțime de alți oameni.
Cred că o mulțime de oameni nu apreciază neapărat armata de oameni care stă la baza acelei imagini. Ei doar văd numele fotografilor și cred că este al lor.
Posibil, da. La sfârșitul zilei, fotograful trebuie să îl semneze. Este un efort de colaborare și munca lor este foarte apreciată, dar fotograful este cel care trebuie să o semneze și trăiește sau moare din talentele fotografului.
Ce kit aveți tendința de a utiliza?
Fotografiez aproape exclusiv pe o cameră Rolleiflex 6008. Obiectivele pe care tind să le folosesc cu camera respectivă sunt un obiectiv de 90 mm, care este obiectivul meu, și există un obiectiv de 120 mm, pe care îl folosesc și eu mult. Acestea sunt cele două pe care le folosesc în principal. De asemenea, folosesc un obiectiv de 180 mm dacă trebuie să fiu mai mărit și probabil că mă duc la fel de lat ca un 50 mm.
Trag cu iluminare Broncolor și totul este bliț. Îmi place Flooter-ul pe care îl fac (mai sus), care este o versiune a unui Frenel de la Hollywood.
Trag pe filmul Kodak Ektar 100 ASA. Nu fotografiez atât de mult digital, dar când fac, tind să filmez pe un Leica S cu câteva obiective prime. Consider că Leica are o interpretare filmică mai bună decât celelalte mărci.
Miles Aldridge va vorbi la The Photography Show pe 20 martie. Faceți clic aici pentru mai multe informații și pentru a rezerva bilete